Die Verzauberung von Hollywood-Filmen beginnt mit einer einfachen Idee, die sich in ein Drehbuch verwandelt, das für die große Leinwand geeignet ist. Ein Drehbuch für einen Spielfilm zu schreiben ist eine langwierige und anspruchsvolle Aufgabe, die jedoch mit etwas technischem Wissen machbar ist. Um in der Kunst des Drehbuchschreibens zu glänzen, muss man Zeit in das Lernen, Üben und Kennenlernen des Standardprozesses des Drehbuchschreibens investieren.
Der Prozess der Erstellung eines Drehbuchs umfasst mehrere Phasen, angefangen beim ersten Entwurf bis hin zu einem Drehbuch, das die Essenz der Geschichte einfängt. Während es vor allem für Anfänger entmutigend erscheinen mag, ist es durch Engagement und ein Verständnis der Grundlagen möglich, sich Fachwissen im Drehbuchschreiben anzueignen. Mit dem richtigen Maß an Aufwand kann sich jeder mit den Feinheiten des Drehbuchschreibens auseinandersetzen und so den Weg ebnen, fesselnde Geschichten zu erschaffen, die das Publikum auf der Leinwand fesseln.
So schreiben Sie ein Skript
Das Verfassen eines Drehbuchs, sei es für einen Spielfilm oder einen Kurzfilm, kann sich wie eine große Aufgabe anfühlen. Es wird jedoch viel einfacher, wenn Sie es Schritt für Schritt angehen. Hier ist eine einfache Anleitung, die Ihnen beim Schreiben Ihres Filmskripts hilft:
1. Schreiben Sie Ihre Logline
Verfassen Sie eine Logline für Ihren Film. Eine Logline ist ein kurzer Satz, der die wichtigsten Details Ihres Films erzählt, wie zum Beispiel die Hauptfigur, die Situation, das Hauptproblem, entscheidende Ereignisse und die gegnerische Kraft. Loglines sind wie ein kleiner Vorgeschmack auf Ihr Drehbuch und bieten einen schnellen Einblick in seine wesentlichen Aspekte. Ziel ist es, eine fesselnde Zusammenfassung zu erstellen, die die Aufmerksamkeit des Lesers fesselt und ihn dazu ermutigt, sich mit dem gesamten Drehbuch zu befassen.
Einfacher ausgedrückt ist Ihre Logline eine kurze und spannende Momentaufnahme Ihres Films. Es beleuchtet die Hauptfigur, das Geschehen, das große Problem, wichtige Ereignisse und wer oder was Ärger verursacht. Das Ziel hier ist es, eine Zusammenfassung zu erstellen, die so interessant ist, dass sie den Leser dazu bringt, die ganze Geschichte zu lesen.
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2. Erstellen Sie die Blaupause für Ihren Film
Es ist wichtig, einen Plan zu erstellen. Beim Drehen eines Films folgt die Geschichte normalerweise einer einfachen dreiteiligen Struktur mit einem Anfang, einem Wendepunkt und einer Auflösung. Beginnen Sie damit, die wichtigsten Ereignisse in Ihrem Skript der Reihe nach zu skizzieren. Sie können dies in einem herkömmlichen Gliederungsformat auf einer oder zwei Seiten organisieren oder, wenn Sie genügend Platz haben, kurze Sätze auf Karteikarten schreiben und diese für eine klarere Übersicht und einfache Neuanordnung an die Wand kleben. Halten Sie jedes Ereignis prägnant und beschränken Sie sich auf einen einzigen Satz. Ihre zentrale Frage sollte die treibende Kraft hinter Ihrer Haupthandlung oder Handlung sein.
Alternativ können Sie ein Beatsheet für Ihr Drehbuch erstellen, in dem Sie die Haupthandlungen und Charakterentwicklungen mit groben Strichen und Beschreibungen umreißen. Dieser Prozess trägt dazu bei, den Grundstein für einen gut strukturierten und ansprechenden Film zu legen.
3. Erstellen Sie eine Story-Übersicht oder -Behandlung
Erstellen Sie einen Überblick über die Geschichte, als würden Sie eine detaillierte Version Ihres Plans erzählen. Betrachten Sie es als eine ausführlichere Version Ihrer Gliederung, die einer kurzen Geschichte ähnelt. Wenn Sie Ihr Skript mit anderen teilen möchten, dient diese Übersicht als Hilfsmittel zur Einschätzung des Interesses.
Darüber hinaus ist es eine hilfreiche Übung, um sicherzustellen, dass sich Ihre Geschichte wie geplant entwickelt. Die Behandlung ermöglicht es Ihnen, Ihre kreative Vision lebendig zum Ausdruck zu bringen und Ihre Welt und Charaktere genau so zu beschreiben, wie Sie sie sich vorstellen. Dieser Schritt ist entscheidend, unabhängig davon, ob Sie Feedback einholen oder Ihre Erzählung in Ihrem eigenen Kopf verfeinern möchten.
Indem Sie eine umfassende Behandlung erstellen, verbessern Sie nicht nur Ihr Drehbuch, sondern legen auch den Grundstein für eine fesselnde Geschichte, die Leser und potenzielle Mitarbeiter fesselt.
4. Schreiben Sie Ihr Drehbuch
Das Schreiben Ihres Drehbuchs erfordert Aufwand, muss aber nicht kompliziert sein. Beachten Sie einige wichtige Richtlinien: Zeigen Sie Ihre Geschichte, erzählen Sie sie nicht nur. Verwenden Sie die Gegenwartsform für eine dynamische Erzählung. Befolgen Sie die richtigen Formatierungsregeln. Widerstehen Sie dem Drang, beim Schreiben übermäßig viel zu redigieren; Lassen Sie stattdessen Ihren kreativen Ideen freien Lauf.
Sobald Ihre Gedanken auf Papier sind, organisieren und strukturieren Sie sie. Dieser Ansatz hilft Ihnen, sich darauf zu konzentrieren, Ihre Filmideen authentisch einzufangen, bevor Sie sie verfeinern. Schnappen Sie sich also Stift und Papier und genießen Sie den Prozess, Ihr Drehbuch zum Leben zu erwecken!
5. Formatieren Sie Ihr Drehbuch
Wenn Sie an einem Drehbuch arbeiten, achten Sie darauf, es richtig zu organisieren. Sie können im Internet verfügbare Drehbuchvorlagen verwenden oder sich für eine Drehbuchsoftware entscheiden, die Ihre Texte automatisch in ein Drehbuchlayout umwandelt. Final Draft ist eine beliebte Wahl unter professionellen Drehbuchautoren.
Das Standardformat für ein Skript umfasst die Verwendung von a 12-Punkt-Courier-Schriftart. Halten Sie rechts einen Rand von 1 Zoll, links einen Rand von 1.5 Zoll und oben und unten einen Rand von 1 Zoll ein. Wenn Sie diese Richtlinien befolgen, stellen Sie sicher, dass Ihr Drehbuch professionell aussieht und den Branchenstandards entspricht.
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6. Bearbeiten Sie Ihr Drehbuch
Das Bearbeiten Ihres Drehbuchs ist ein entscheidender Schritt im Schreibprozess. Oft sind mehrere Umschreibungs- und Überarbeitungsrunden erforderlich, bevor die endgültige Version vorliegt.
Renommierter Autor und Drehbuchautor Neil Gaiman vergleicht den Schreibprozess mit einer Explosion, bei der man mit der Geschichte auf die Seite platzt. Sobald die Explosion der Kreativität vorüber ist, haben Sie die Möglichkeit, die Folgen zu untersuchen und den Splitter und seine Auswirkungen zu beobachten. Es ist eine Chance zu beurteilen, wer oder was in der Geschichte erfolgreich war oder gescheitert ist. Mithilfe dieser Reflexion können Sie analysieren, welche Elemente wirksam sind und welche verbessert werden müssen.
Wenn Sie sich die Zeit nehmen, Ihr Drehbuch zu überarbeiten und zu überarbeiten, verfeinern Sie nicht nur die Erzählung, sondern erhalten auch wertvolle Einblicke in die Stärken und Schwächen Ihres Geschichtenerzählens.
Richtige Formatierung für Ihr Drehbuch
Zum Schreiben eines Drehbuchs gehört mehr als nur das Erfinden einer fesselnden Geschichte; Es erfordert ein Verständnis dafür, wie Sie Ihre Arbeit richtig formatieren. Während sich viele Drehbuchautoren für die automatische Formatierung auf Drehbuchsoftware verlassen, ist es von entscheidender Bedeutung, die Grundlagen zu verstehen. Sobald Sie das Drehbuchformat beherrschen, wird Ihnen die Kunst des Drehbuchschreibens zur zweiten Natur. Hier sind die wichtigsten Elemente, die es zu berücksichtigen gilt:
1. Aktionslinien: Stellen Sie sicher, dass die Beschreibungen der Aktionen am linken Rand der Seite ausgerichtet sind. Diese Ausrichtung sorgt für einen klaren und konsistenten visuellen Fluss für den Leser.
2. Kamerawinkel: Im Allgemeinen beziehen Autoren keine Kamerawinkel in Drehbücher ein, es sei denn, sie sind für die Entwicklung der Szene von entscheidender Bedeutung. Beziehen Sie Kamerawinkel nur dann ein, wenn sie wesentlich zur Erzählung beitragen, etwa um einen Witz zu erzählen oder einen entscheidenden Moment zu enthüllen.
3. Charakternamen: Wenn Sie einen Charakter zum ersten Mal vorstellen, schreiben Sie seinen Namen in Großbuchstaben. Anschließend folgt eine kurze Beschreibung in Klammern, um den wesentlichen Kontext bereitzustellen.
4. Dialogbeschreibungen: Platzieren Sie alle Beschreibungen darüber, wie ein Charakter seinen Text vorträgt, in Klammern direkt über dem Dialog. Dies trägt dazu bei, den beabsichtigten Ton oder die beabsichtigte Emotion zu vermitteln.
5. Dialogformat: Schreiben Sie den Namen der sprechenden Figur in Großbuchstaben, zentriert auf die Seite und 3.7 Zoll von links eingerückt. Zentrieren Sie die Zeilen der Figur unter ihrem Namen, wobei jeder Dialogblock 2.5 Zoll von links eingerückt ist.
6. Schriftart: Behalten Sie ein branchenübliches Drehbuchformat bei, indem Sie die Courier-Schriftgröße 12 verwenden. Eine einheitliche Schriftartenwahl verbessert die Lesbarkeit und entspricht den Branchennormen.
7. Standorte: Verwenden Sie „EXT“ für den Außenbereich oder „INT“ für den Innenraum, um Szenenüberschriften voranzustellen. Durch die eindeutige Angabe des Ortes wird der Rahmen für den Leser und die spätere Produktion geschaffen.
8. Außerhalb des Bildschirms oder außerhalb der Kamera: In Filmdrehbüchern bezeichnen Charaktere, die außerhalb des Bildschirms sprechen, mit „O.S.“ (außerhalb des Bildschirms). Für Fernsehdrehbücher verwenden Sie „O.C.“ (außerhalb der Kamera), um Charaktere zu kennzeichnen, die außerhalb des Bildschirms sprechen.
9. Seitenränder: Halten Sie links einen Rand von 1½ Zoll, rechts einen Rand von 1 Zoll und oben und unten auf jeder Seite einen Leerraum von 1 Zoll ein. Richtige Ränder tragen zu einem sauberen und professionellen Erscheinungsbild bei.
10. Seitenzahlen: Nummerieren Sie jede Seite nach der ersten. Normalerweise entspricht jede Seite etwa einer Minute Bildschirmzeit. Seitenzahlen helfen bei der Organisation und Referenzierung während der Produktion.
11. Szenenüberschriften (Sluglines): Beginnen Sie jede neue Szene mit einer Szenenüberschrift, auch Slugline genannt. Schreiben Sie dies in Großbuchstaben und linksbündig auf die Seite. Geben Sie „EXT“ oder „INT“, den Ort und die Tageszeit an. Zum Beispiel: „INT. VERLASSENES LAGERHAUS – NACHT.“
12. Titelseite: Legen Sie eine Titelseite fest, die nur den Titel des Drehbuchs, den Namen des Drehbuchautors, Kontaktinformationen und Darstellungsdetails (falls zutreffend) enthält. Eine klare und prägnante Titelseite gibt einen professionellen Ton an.
13. Übergänge: Fügen Sie Übergangsanweisungen wie „FADE OUT“, „FADE IN“ oder „SMASH CUT TO“ in Großbuchstaben ein und richten Sie sie am rechten Rand aus. Übergänge leiten den Fluss zwischen den Szenen.
14. Voiceover: Geben Sie den Voiceover an, indem Sie „V.O.“ schreiben. neben dem Namen des Charakters, der spricht. Dies verdeutlicht, wann die Gedanken oder Erzählungen einer Figur die Bilder begleiten.
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